Ce stă la baza creativității artistice. Caracteristicile personale ale elevilor cu diferite orientări creative

Atitudine estetică față de viață și creativitate artistică

Atitudinea estetică stă la baza abilităților artistice umane

Conform tradiției stabilite în psihologie, abilitățile pentru diferite tipuri de artă sunt clasificate ca „speciale”; ca atare se deosebesc de „generale”, prin care de obicei înțelegem abilități mentale generale. În același timp, psihologii nu separă problema talentului general de studiul abilităților pentru anumite tipuri de activități și chiar subliniază în mod specific inseparabilitatea acestora. Astfel, S. Rubinstein scria: „În cadrul anumitor abilități speciale se manifestă talentul general al individului, corelat cu condițiile mai generale ale formelor conducătoare ale activității umane”; B. Teplov a preferat să nu vorbească separat despre talentul general și special, deoarece în dotația pentru anumite tipuri de activitate există atât aspecte mai generale, cât și mai speciale.

În consecință, una sau alta înțelegere a „aspectelor generale” ale supradotației nu poate fi neutră pentru studiul abilităților speciale. Dimpotrivă, predetermina în mare măsură căile și rezultatele acestui studiu.

În unele cazuri, înțelegerea abilităților generale ca pe cele mentale vă permite să treceți fără probleme la studiul abilităților speciale. De exemplu, capacitatea mentală generală de a generaliza acționează ca o abilitate matematică atunci când este „specializată” și își arată puterea în principal pe materialul matematic. Este ușor de imaginat o serie de alte modificări ale aceleiași capacități de generalizare, incluse în structura abilităților pentru alte tipuri de activitate teoretico-cognitivă. Dar cu toată importanța inteligenței în creativitatea artistică, ar fi o întindere clară să afirmăm că talentul unui pictor sau muzician este o modificare a acelorași calități care stau la baza activității teoretico-cognitive. Ceea ce sa spus, în special, a fost confirmat într-un studiu al caracteristicilor generalizării la persoanele talentate artistic, care este prezentat în capitolul următor.

Se știe că abilitățile pentru diferite tipuri de artă adesea „coincid” la aceleași persoane. Încercând să explice acest fapt, B. Teplov, B. Ananyev și alți oameni de știință au intrat de fapt în contact cu problema abilităților artistice generale.

Primește o acoperire interesantă în lucrările lui V.D. Rankova.

Din punctul nostru de vedere, baza abilităților artistice generale ale unei persoane se află în EE față de realitate, care reprezintă, parcă, o singură rădăcină a tuturor tipurilor de explorare artistică a lumii și este prezentă ca un „moment comun” în cadrul diverse tipuri de talent artistic și creativ. Și abilități mai specializate (literare, muzicale etc.) acționează ca concretizarea ei în raport cu domeniile individuale ale artei, care reflectă lumea diferit, lucrează cu materiale diferite, necesită „suport senzorial”, pregătire diferită etc.

În ceea ce privește abilitățile cu adevărat generale (am spune noi creative generale), calea către rezolvarea acestei probleme nu poate fi reducerea diferitelor tipuri de abilități la mental, diferite tipuri de creativitate la intelectuale. Pentru a face acest lucru, din punctul nostru de vedere, trebuie să ajungem la generalizări de ordin superior, considerând atât EO față de lume, cât și calități similare de personalitate care stau la baza altor tipuri de creativitate, ca diverse forme de manifestare și autorealizare a unei persoane. sine creativ.

Argumentând că EO reprezintă baza psihologică a tuturor tipurilor de abilități artistice, înțelegem bine că activitățile unui muzician, pictor, poet sau artist manifestă multe calități care nu pot fi reduse direct la EO.

Înseamnă asta că EO este capacitatea „principală” printre altele? Și dacă da, atunci care este diferența fundamentală dintre abordarea noastră și cea „componentă”? La urma urmei, permite și ierarhizarea, identificarea anumitor abilități ca „conducătoare”, necompensate etc.

Spuneam că EO dezvoltată transformă într-un mod specific datele experienței de viață a unei persoane, transformă această experiență în pământ fertil pentru apariția ideilor artistice, ceea ce face o persoană capabilă de creativitate artistică.

Dar, din punct de vedere psihologic, transformarea experienței de viață a unei persoane înseamnă, în primul rând, transformarea psihicului său. A transforma datele experienței cotidiene în conținut potențial al operelor de artă înseamnă a transforma calitățile psihicului, adecvate sarcinilor vieții cotidiene, în capacitatea de creativitate artistică. Din acest punct de vedere, EO nu se află în fruntea listei abilităților artistice, ci le creează. Cu alte cuvinte, anumite calități mentale acționează ca abilități pentru creativitatea artistică atunci când aparțin unei persoane care a dezvoltat EO și rezolvă probleme artistice specifice generate de această atitudine, i.e. devin organe de autorealizare creativă a purtătorului EO.

În afara acestui ansamblu, anumite calități pot fi, după cum am menționat mai sus, doar premise pentru abilitățile artistice - mai mult sau mai puțin favorabile, dar neutre din punctul de vedere al sarcinilor artei. Să explicăm acest lucru cu exemple.

Imaginația este considerată o abilitate artistică importantă. Totuși, imaginația, înțeleasă ca abilitatea de a opera intern cu materialul impresiilor anterioare, de a le recombina etc., nu conține nimic anume artistic și nu este adaptată la rezolvarea unor probleme specific artistice. Este o condiție prealabilă necesară atât pentru creativitatea artistică, cât și pentru toate celelalte tipuri de activitate umană.

Dar în structura abilităților artistice și creative, imaginația nu există ca o calitate mentală izolată, ci ca un moment subordonat al relației holistice speciale a artistului cu realitatea. În experiența estetică, o persoană percepe aspectul exterior al obiectelor și fenomenelor ca o expresie directă a valorii lor non-utilitare și a vieții interioare aferente. Când experiența este suficient de puternică, dă naștere nevoii de a consolida și obiectiva această revelație a lumii umanizate și propria implicare în ea, care există inițial doar ca un fapt al experienței interioare a artistului. Acest lucru stimulează și direcționează munca imaginației pentru a crea o astfel de imagine percepută senzual care va conține - imaginați - conținutul non-figurativ sau supra-figurativ al experienței estetice. În expresia potrivită a lui R. Arnheim, „în acele momente în care o persoană devine artist, el găsește o formă pentru structura necorporală a ceea ce simte”.

Acest scop specific este supus proceselor psihologice de transformare a datelor senzoriale, crearea de noi imagini bazate pe impresii anterioare, precum și căutarea mijloacelor artistice expresive.

Astfel, imaginația, fiind un element subordonat EO, capătă un accent pe crearea unei imagini senzuale care să dezvăluie în mod adecvat conținutul suprasensibil al operei. În această calitate, ea acționează într-adevăr ca cea mai importantă abilitate artistică, în esența sa psihologică, precum EO, comună tuturor artelor.

Dar aceasta înseamnă că procesele de percepție sau memorie suferă o transformare similară și capătă, de asemenea, selectivitate specifică, o anumită orientare vectorială. Ele izolează, înregistrează sau restaurează, ca material pentru munca imaginației, tocmai acele impresii ale realității, semne de obiecte, evenimente, sunete, cuvinte, intonații, culori, cu ajutorul cărora se poate țese cea mai expresivă imagine senzorială pt. un concept artistic „dezîncarnat” - un pictural, verbal, plastic, muzical, i.e. imaginează-ți această idee prin intermediul unei arte sau alteia.

Pentru a fi consecvenți, trebuie recunoscut că, ca componente subordonate ale imaginației și, prin urmare, în cele din urmă, ale atitudinii estetice, aceste aspecte ale psihicului dobândesc și statutul de abilități artistice. (Nu atingem acum problema complexă a sferei emoționale și, în special, a memoriei emoționale a unei persoane, care, de asemenea, suferă o „transformare estetică” și în această nouă capacitate joacă un rol imens în creativitatea artistică.)

Calitățile mentale asociate cu activități în anumite tipuri de artă urmează, de asemenea, același tipar. Astfel, contrar dovezilor aparente, sensibilitatea subtilă de distincție a culorilor în sine nu este capacitatea unui pictor: este doar o trăsătură a analizorului vizual, care permite diferențierea caracteristicilor de culoare ale obiectelor și poate fi utilă atât în viața de zi cu zi, cât și în multe profesii care nu au nicio legătură cu arta (de exemplu, un vopsitor de țesături, un oțel, un pilot). Poate fi considerată doar o condiție prealabilă favorabilă, dar neutră, pentru capacitatea unui pictor. Este o altă problemă când discriminarea subtilă a culorilor este o proprietate a unei persoane cu EO dezvoltată. La urma urmei, o astfel de persoană vede în flori nu doar semne obiective ale lucrurilor, ci entități vii de un tip special, care posedă propriul „caracter”, „dispoziție” și, în consecință, o anumită gamă de posibilități expresive”12.

Desigur, la o astfel de persoană, discriminarea subtilă a culorilor (inseparabilă de sensibilitatea emoțională specifică la impresiile de culoare) dobândește statutul de abilitate artistică importantă și se „dizolvă” în munca imaginației, ajutând la crearea celei mai expresive imagini color. Același lucru este valabil și pentru alte caracteristici ale analizorului vizual (de exemplu, memoria vizuală a unui cercetaș sau a unui turist rezolvă probleme complet non-artistice) și pentru auzul pitch (auzul unui tuner, după cum a observat B. Teplov, diferă semnificativ de auzul unui muzician creativ, deși în subtilitate îl poate depăși), și la abilitățile lingvistice de bază etc. Numai atunci când sunt incluse în procesul de creare a unei imagini artistice, stimulată de EO la realitate și experiențele specifice pe care aceasta le poartă cu ea, toate aceste calități se transformă în abilități artistice.

Exemplele date au vizat în principal acele calități mentale care sunt în general considerate abilități artistice; am încercat să arătăm că luate în afara întregului care le îmbrățișează și le transformă – EO a omului către lume – nu sunt așa.

În același timp, acele calități și aspecte ale psihicului uman care par să nu aibă nicio legătură cu abilitățile artistice și, în orice caz, nu sunt luate în considerare în mod specific în acest context, sub influența EO dezvoltată pot dobândi și specific artistic și creator. Aceasta se referă, de exemplu, la trăsăturile proceselor de generalizare (pe care le vom discuta mai jos) sau la caracteristici holistice precum valoarea personală.

Și dacă este așa, ipoteza exprimată în formă generală în capitolul unu pare rezonabilă: capacitatea de a crea (în special, artistic) nu este un grup de calități care diferă de altele care nu sunt abilități, nu o „parte” specială. a psihicului, ci mai degrabă „starea” lui specială. În esență, „întregul psihic” al unei persoane apare ca un set plastic de premise care pot fi mobilizate, combinate, transformate în abilități pentru unul sau altul tip de creativitate sub influența uneia sau alteia relații dominante a unei persoane cu ființa.

Astfel, pânzele „de la sine”, ca bucățile de țesătură, nu sunt un mijloc real de deplasare a navei într-o direcție anume (deși proprietățile acestei țesături sunt departe de a fi indiferente unei posibile navigații): vântul le face astfel, dând le configurația și tensiunea corespunzătoare13.

Dacă acceptăm acest punct de vedere, atunci sarcina principală a cercetătorului abilităților de creativitate nu va fi să clarifice, să structureze sau să ierarhizeze lista de calități necesare pentru a lucra într-un anumit domeniu al artei, deși atenție la acest aspect al problemei. poate juca un rol auxiliar important și în activitatea de cercetare și predare.

Sarcina principală este de a înțelege esența și condițiile psihologice ale acelor transformări care suferă diverse calități și aspecte ale psihicului, devenind un „moment subordonat” al EO al unei persoane față de lume, de exemplu. abilități de creativitate artistică, de ex. organe de autorealizare a sinelui creator în domeniul artei, create pe baza calităților psihologice umane universale.

Cu această abordare a problemei, vorbind despre EO ca bază a abilităților creativității artistice, nu putem să nu atingem încă o dată aspectele motivaționale ale acestei calități personale.

În primul rând, să reamintim că în primele studii ale problemei supradotației, efectuate în conformitate cu psihologia individuală (lucrarea lui V. Stern, G. Reves, A. Lazursky), conceptele de abilități și înclinații nu erau strict diferenţiate, iar înclinaţia copilului către orice activitate, interesul intens şi susţinut pentru aceasta a fost considerată ca un indiciu al talentului ascuns, ca formă primară de manifestare a acestuia. Vedem în aceasta o concretizare a uneia dintre prevederile importante ale înțelegerii psihologiei – despre rolul principal al motivațiilor în dezvoltarea psihică a unei persoane (vezi Capitolul 1).

Se pare că posibilitățile acestei abordări, în primul rând în studiul creativității, nu au fost încă dezvăluite.

Atunci când abilitățile sunt considerate în termeni educaționali și reproductivi ca un ansamblu de calități necesare desfășurării unei activități, atunci separarea „abilităților ca atare” și motivația pentru o anumită activitate pare firească și ușoară. Apoi psihologul spune că abilitatea este doar una dintre condițiile, sau „componentele” succesului; că fără perseverență, fără dragoste pentru munca proprie, abilitățile bune înseamnă puțin, dar cu abilități modeste, un elev harnic poate realiza multe; dă exemple despre cum unei persoane „foarte capabile” de o anumită activitate nu i-a plăcut și a evitat-o etc.

S. Rubinstein a considerat mult mai profund problema relației dintre abilități și motivație, considerând că pentru a-și forma orice abilitate semnificativă trebuie în primul rând să creăm o nevoie vitală pentru tipul adecvat de activitate. Aici abilitățile și nevoile nu interacționează pur și simplu în exterior, ajutându-se sau contrazicându-se reciproc; însăşi apariţia capacităţii este determinată de nevoia corespunzătoare. Cu toate acestea, granița dintre ele este încă vizibilă.

Când trecem la studiul abilităților creative, pe baza faptului că ele se bazează nu pe calități mentale individuale, ci pe atitudinea specială a unei persoane față de realitate, atunci această limită devine practic indistinguită și nu putem vorbi decât despre două distinse convenționale. aspecte ale unei singure calităţi. Acest lucru se aplică, desigur, nu numai abilităților artistice. De exemplu, orientarea matematică a minții, pe care V. Krutetsky a descris-o drept o abilitate, cu nu mai puțin drept poate fi numită o nevoie sau o înclinație de a considera toate fenomenele vieții sub aspect matematic. Cercetările efectuate de D. Bogoyavlenskaya au arătat că în creativitatea intelectuală, abilitățile mentale și factorii motivaționali formează o unitate, „unde abstracția uneia dintre părți este imposibilă”.

EO to life acționează ca bază a abilităților artistice: transformă conținutul experienței de viață a unei persoane în conținutul potențial al operelor de artă; implică calități individuale ale psihicului în formularea și soluționarea problemelor creative și le specifică, dându-le statut de abilități artistice. În același timp, este și sursa nevoii umane atât pentru experiențele estetice în sine, cât și pentru proiectarea și obiectivarea lor în imagini artistice.

Munca noastră este dedicată în principal primului aspect al atitudinii estetice; În ceea ce privește al doilea, ne vom limita la câteva considerații ipotetice care pot servi drept linii directoare pentru un studiu mai amănunțit al acestei probleme importante.

În primul rând, după cum sa menționat deja, EO oferă experiența conștientizării de sine extinse și a conștientizării de sine într-o lume „umanizată”, propria universalitate și unicitate, în esență experiența „întâlnirilor” mai mult sau mai puțin conștiente cu propriul sine superior - cauza și scopul, alfa și omega ale individualității dezvoltării umane. Acest lucru dă naștere unei nevoi personale profunde de a reînnoi, extinde și înțelege o astfel de experiență14. În anumite condiții care necesită un studiu special, pe această bază apare nevoia de proiectare, conservare și obiectivare a acestei experiențe, a cărei formă adecvată este crearea de imagini artistice.

Se poate presupune că acest lucru se întâmplă în cazurile în care EO dobândește un rol dominant în lumea interioară a unei persoane, își modifică psihicul în ansamblu, ceea ce determină „salt calitativ” de la o persoană dezvoltată estetic la un artist care lucrează creativ. Poate că în astfel de cazuri este recomandabil să vorbim despre „poziția estetică a individului”, spre deosebire de EO față de lume, pe care fiecare persoană o poate și ar trebui să o dezvolte în sine. Mai trebuie să luăm în considerare relația dintre aspectele artistice și universale ale EO în viitor.

Deoarece EO stă la baza atât abilităților, cât și nevoilor în creativitatea artistică, capacitatea potențială a unei persoane de a transforma estetic impresiile realității, adică a creativității artistice, se dezvăluie într-o nevoie corespunzătoare. La rândul său, nevoia unei persoane de experiențe estetice și creativitate acționează ca o dovadă a capacității corespunzătoare, ca energie a actualizării și dezvoltării acesteia. Nu e de mirare că V. Van Gogh a scris că dacă o persoană vrea să devină artist, poate deveni; V. Goethe considera că dorințele unei persoane sunt vestigii ale capacităților sale; T. Mann a susținut că talentul este o nevoie.

Trebuie doar să ne amintim că vorbim în mod specific despre necesitatea de a transforma estetic impresiile vieții, de a „traduce în mod serios viața cuiva în cuvinte” și în materialul altor tipuri de artă, și nu despre nevoia unui grafoman de a crea. texte similare modelelor acceptate în art; nu despre dorința de a trăi viața artiștilor și interpreților, de a fi printre ei, de a face la fel ca ei; nu despre setea de autoafirmare prin artă etc. Asemenea nevoi, oricât de dureroase ar putea ajunge, pot exista complet independent de abilități și nu promit succes în creativitate.

În cele din urmă, este necesar să se abordeze problema posibilității dezvoltării OE. Cât de elitistă sau, dimpotrivă, universală este această calitate? Poate un profesor, student, artist să lucreze intenționat la dezvoltarea sa? Doar cercetările psihologice și pedagogice de lungă durată ne vor permite să răspundem cu încredere, dar vom exprima câteva considerații preliminare în favoarea posibilității dezvoltării EE acum.

Pornim de la presupunerea naturii duale a EO: acţionează, pe de o parte, ca o capacitate umană universală, o proprietate a unei personalităţi dezvoltate; pe de altă parte, ca bază a abilităţilor artistice deosebite. Și este imposibil să afirmăm semnificația universală a artei dacă nu presupunem că EO care stă la baza acesteia este potențial caracteristică tuturor. Altfel, arta ar avea sens doar pentru un cerc restrâns de profesioniști. În primul său aspect, EE ar trebui să fie accesibilă dezvoltării la aproape toți oamenii, nu mai puțin decât, de exemplu, gândirea logică sau distincția dintre bine și rău, care, totuși, nu exclude diferențe uriașe între oameni în toate aceste privințe.

Așa cum scria M. Prishvin, „capacitatea artistului de a vedea lumea înseamnă o expansiune nesfârșită a capacității obișnuite a tuturor oamenilor de a acorda atenție asociată (așa a definit scriitorul o calitate foarte apropiată de ceea ce numim EO. -A.M.). Limitele acestei atenții înrudite sunt extinse la nesfârșit prin artă - această abilitate a oamenilor deosebit de talentați, a artiștilor, de a vedea lumea din exterior.”

Cu alte cuvinte, activitatea unui artist profesionist și rezultatele acestei activități (opere de artă), care în condițiile culturale și istorice moderne au concentrat extrem de „potențialul estetic” al umanității, pot, la rândul lor, să contribuie la trezirea și dezvoltarea EO la viață în toți oamenii.

Să adăugăm doar că „expansiunea infinită” despre care vorbește Prishvin trebuie încă înțeleasă nu într-un sens pur cantitativ, ci mai degrabă ca un fel de salt calitativ care transformă capacitatea umană universală de a simți valoarea non-utilitară a fenomenelor de viața, propria implicare în lumea din jurul nostru, într-o „abilitatea-nevoie” » întruchipează conținutul experiențelor estetice în imagini artistice. Aici se află o graniță în mișcare care separă aria educației estetice generale de aria pregătirii și autoformației artistului.

Poate fi EE subiectul auto-dezvoltării sau influențe pedagogice vizate? Experiența multor maeștri remarcabili ai artei arată că EO nu le-a fost dat „gata făcut”, într-o formă completată; l-au dezvoltat în mod conștient și intenționat, uneori de-a lungul vieții.

V. Goethe spune în lucrarea sa autobiografică: „Am încercat... să mă uit cu dragoste la ceea ce se întâmplă afară, și să mă expun influenței tuturor ființelor, fiecare în felul lui (aici și mai jos italicele sunt ale mele. - A.M.), începând cu ființa umană și mai departe – în linie descendentă – până în măsura în care mi-au fost de înțeles. De aici a apărut o minunată înrudire cu fenomenele naturale individuale, consonanța internă cu aceasta, participarea la corul întregului atotcuprinzător...” Marele pictor chinez se uită înapoi la drumul parcurs cu o privire retrospectivă: „Au trecut cincizeci de ani și încă nu a existat o naștere comună a Sinelui meu și a Sinelui munților și râurilor, nu pentru că nu au avut (demne de atenție) valoare: - (pur și simplu) i-am lăsat să existe singuri de unul singur” .

Aceste afirmații, vagi și „metaforice” pentru cineva care s-ar aștepta să dobândească EO doar prin asimilarea lor rațională (ceea ce echivalează cu încercarea unui școlar de manual de a învăța mai întâi să înoate și apoi să intre în apă), se vor dovedi a fi de înțeles. și utilă tuturor celor care caută să se dezvolte practic în ei înșiși, aceasta este calitatea. Dar altceva este important pentru noi acum: artiști remarcabili mărturisesc că dezvoltarea intenționată și eficientă a EO spre pace este posibilă.

În cele din urmă, o serie de studii efectuate în condițiile unui studio literar și creativ pentru tineret, în cercurile generale de dezvoltare estetică pentru copii de 6-8 ani și într-o școală cuprinzătoare cu elevi de diferite vârste, ne permit să credem că dezvoltarea EO. este, în principiu, posibil la mulți copii și faptul că este real duce la o creștere a realizărilor creative ale elevilor, deși nu egalează pe toți în acest sens.

Creativitate artistică

Creativitatea umană și, în special, creativitatea artistică este considerată, în primul rând, nu sub aspectul creării a ceva nou în domeniul relevant al culturii, ci sub aspectul realizării de sine a creatorului uman.

Capacitatea de a fi creativ nu poate fi derivată, în principiu, din stăpânirea tipului corespunzător de activitate sau chiar a culturii în ansamblu (deși fără o astfel de stăpânire nu poate fi actualizată sau pusă în practică). De exemplu, capacitatea unei persoane de creativitate muzicală (matematică etc.) generează și actualizează constant muzica (matematică etc.) și, prin urmare, nu poate apărea ca urmare a stăpânirii formelor deja existente ale acestui tip de activitate.

A.A s-a orientat către literatura cu conținut religios, filozofic, mistic și ascetic, păstrând experiența de autocunoaștere și autoeducare a reprezentanților de seamă ai diferitelor epoci, popoare și culturi. Melik-Paşaiev. El ajunge la concluzia că nu există doar un „eu” empiric al conștientizării de sine cotidiene, ci și un „eu” superior, care conține întreaga gamă de posibilități care pot fi dezvăluite în viitor de o persoană care trece în calea lui în condiții de spațiu. -restrictii temporale si un anumit mediu socio-cultural.

„Eul” ideal în psihologie și „Eul” superior al experienței spirituale sunt concepte complet diferite. Ideea „Eului” superior (nu o formulare, ci o idee) este universală. Omul este în esență un creator, iar procesul de dezvoltare umană într-un anumit sens poate fi numit „crearea de sine”, care se exprimă în realizarea mai mult sau mai puțin completă a „Eului” superior în conștientizarea și activitatea unei persoane. . O astfel de creare spirituală a sinelui pare în mod ideal să fie nucleul sau singura bază a oricăror manifestări cu adevărat creative ale unei persoane în anumite domenii de activitate, sfere ale culturii. Prin urmare, expresia „eu creativ” al unei persoane a fost propusă ca unul dintre sinonimele pentru „eu” superior.

Un rol deosebit în actualizarea și menținerea principalei forțe motrice a dezvoltării - nevoia de a realiza propriul „eu” creativ - îl joacă fenomenul psihologic pe care A.A. Melik-Pashayev a numit în mod figurat „întâlniri cu el însuși” - „descoperiri” mai mult sau mai puțin conștiente ale „eu” superior în conștiința de zi cu zi și viziunea despre lume a unei persoane, oferindu-i o prevedere a adevăratelor sale capacități și, uneori, calea viitoarei sale creativități.

Capacitatea de a fi creativ nu este o colecție de calități individuale, fiecare dintre acestea fiind în sine o anumită abilitate. Dimpotrivă: abilitățile individuale care pot și ar trebui să fie distinse în aspectul psihologic al unui om de știință, artist etc., se manifestă prin atitudinea sa holistică caracteristică față de lume și tocmai din această cauză devin abilități creative.

Astfel, abilitățile nu acționează ca o „parte” specială a psihicului, ci ca o „stare” specială a acestuia, în cele din urmă, poate, ca „întregul” psihic, mobilizat și schimbat de acea atitudine specifică față de lume și față de sine, care determină sfera creativităţii autorealizării umane.

A.A. Melik-Paşayev împreună cu Z.N. Novlyanskoy a efectuat un studiu al acestei probleme, în timpul căruia a apărut caracteristica „poziție estetică” sau „atitudine estetică” (EO) față de realitate. Poate fi descrisă ca o atitudine în care anumite impresii și experiențe importante nu sunt rezolvate în viața însăși (în acțiuni, reacții emoționale etc.), ci necesită crearea unei realități speciale - opere de artă.

Experiența conștientă a unității cu subiectul și cu lumea în ansamblu este o condiție absolut necesară pentru originea și implementarea ideilor artistice, adică. Este EO care face o persoană capabilă de creativitate artistică.

Străduindu-se să extindă experiența estetică și realizând-o în lucrări, o persoană afirmă nu numai realitatea și valoarea imaginii lumii care i se deschide, ci și propriul sine creativ, căruia această imagine a lumii este accesibilă și proporțională. Puterea motivatoare a EO constă în faptul că creativitatea artistică poate deveni cu adevărat o cale de autocunoaștere și autorealizare.

Cea mai importantă caracteristică a EO este sensibilitatea specifică a unei persoane la forma obiectelor și fenomenelor lumii. Acestea. el percepe aspectul specific, unic și trecător al lucrurilor și fenomenelor nu doar ca latura lor exterioară, ci ca o imagine expresivă, o expresie directă a stării interne, a dispoziției, a caracterului, a destinului - acea viață interioară care este asemănătoare omului, care EO găsește în toate fenomenele existenței.

Creativitatea artistică umană este doar una dintre căile de contact cu „Eul” creator și implementarea lui în sens cultural general. Așa cum capacitatea de creativitate artistică se bazează pe EO, la fel și alte tipuri de creativitate ar trebui să se bazeze pe o atitudine specială față de realitate, care transformă anumite calități în abilități corespunzătoare și transformă întreaga experiență de viață a unei persoane într-o sursă de idei creative într-un anumit domeniu. zonă.

Singurul nucleu nespecific al diferitelor tipuri de creativitate ar trebui să fie efortul unei persoane de a se apropia de adevăratul său Sine, de a-l realiza la maximum în realitatea empirică.

Creativitatea artistică începe cu o atenție deosebită la fenomenele lumii și presupune „impresii rare”, capacitatea de a le reține în memorie și de a le înțelege.

Un factor psihologic important în creativitatea artistică este memoria. Pentru un artist, nu este oglindă, selectiv și de natură creativă. Procesul creativ este de neconceput fără imaginație, ceea ce permite reproducerea combinațională și creativă a unui lanț de idei și impresii stocate în memorie. Imaginația are multe varietăți: fantasmagoric - la E. Hoffman, filozofic și liric - la F. I. Tyutchev, sublim romantic - la M. Vrubel, dureros hipertrofiat - la S. Dali, plin de mister - la I. Bergman, real - strict - de F. Fellini etc. Conștiința și subconștiința, rațiunea și intuiția participă la creativitatea artistică. În acest caz, procesele subconștiente joacă un rol special aici.

Psihologul american F. Barron a folosit teste pentru a examina un grup de cincizeci și șase de scriitori – compatrioții săi – și a ajuns la concluzia că printre scriitori, emoționalitatea și intuiția sunt foarte dezvoltate și prevalează asupra raționalității. Din cei 56 de subiecți, 50 s-au dovedit a fi „indivizi intuitivi” (89%), în timp ce în grupul de control, care includea persoane care erau departe din punct de vedere profesional de creativitatea artistică, erau de peste trei ori mai puține persoane cu intuiție dezvoltată (25% ).

În secolul al XX-lea subconștientul în procesul creativ a atras atenția lui 3. Freud și școala sa psihanalitică. Artistul ca personalitate creativă a fost transformat de psihanalişti într-un obiect de introspecţie şi critică. Psihanaliza absolutizează rolul inconștientului în procesul creativ, aducând în prim-plan, spre deosebire de alte concepte idealiste, principiul sexual inconștient. Un artist, conform freudienilor, este o persoană care își sublimează energia sexuală în zona creativității, care se transformă într-un tip de nevroză. Freud credea că, în actul creativității, principiile ireconciliabile din punct de vedere social sunt îndepărtate din conștiința artistului și, prin urmare, elimină conflictele din viața reală. Potrivit lui Freud, dorințele nesatisfăcute sunt stimulii motivatori ai fanteziei. Artiștii înșiși acordă atenție importanței intuiției în creativitate.

Astfel, în procesul creativ interacționează inconștientul și conștientul, intuiția și rațiunea, darul natural și priceperea dobândită.

Și deși ponderea procesului creativ atribuită minții poate să nu predomine cantitativ, calitativ ea determină multe aspecte esențiale ale creativității. Principiul conștient controlează scopul său principal, sarcina finală și contururile principale ale conceptului artistic al operei, evidențiază „punctul luminos” în gândirea artistului, iar întreaga sa viață și experiența artistică sunt organizate în jurul acestui punct de lumină. Principiul conștient asigură introspecția și autocontrolul artistului, îl ajută să-și analizeze și să-și evalueze autocritic munca și să tragă concluzii care contribuie la creșterea creativă în continuare.

Rolul conștiinței este deosebit de important atunci când se creează lucrări la scară largă. Dacă o miniatură poate fi executată dintr-un capriciu, atunci o lucrare mare necesită o analiză profundă și serioasă. Se cuvine să ne amintim în acest sens ce a scris L. N. Tolstoi despre „Război și pace”: „Nu vă puteți imagina cât de dificilă este pentru mine această lucrare preliminară de arătură adâncă a câmpului în care sunt nevoit să semăn gândește-te la toate, ce s-ar putea întâmpla cu toți viitorii oameni ai viitoarei compoziții, una foarte mare, și să te gândești la milioane de combinații posibile pentru a alege 1/1000000 dintre ele este teribil de dificil.”

Procesul creativ este deosebit de fructuos atunci când artistul se află într-o stare de inspirație. Aceasta este o stare psihologică creatoare specifică de claritate a gândirii, intensitatea muncii sale, bogăția și viteza asocierii, pătrunderea profundă în esența problemelor vieții, o „eliberare” puternică a vieții și a experienței artistice acumulate în subconștient și includerea lui directă. în creativitate.

Inspirația dă naștere unei energii creative extraordinare este aproape sinonimă cu creativitatea. Nu întâmplător imaginea poeziei și a inspirației din cele mai vechi timpuri a fost calul înaripat - Pegasus. Într-o stare de inspirație, se realizează o combinație optimă de principii intuitive și conștiente în procesul creativ.

„Eul” încearcă să-l adapteze la cerințele „Super-eului”. În această situație, mecanismele de apărare ajută „eu” să supraviețuiască:

· Excluderea

· Sublimarea (exprimarea, transformarea pulsiunilor în diverse forme de activitate creativă)

· Simbolizare (înlocuirea obiectului dorinței cu vreun simbol) etc.

Aceste mecanisme de protecție sunt la baza creativității literare.

Pe parcursul operei sale, Freud a numit sublimarea anumite activități determinate de dorință care nu este în mod clar îndreptată către un scop sexual: acestea sunt, de exemplu, creativitatea artistică, cercetarea intelectuală și, în general, activitățile valoroase din punct de vedere social. Freud a văzut motivul motivant al acestui tip de comportament în transformarea pulsiunilor sexuale: „Puntia sexuală oferă muncii culturale o cantitate imensă de energie; acest lucru se întâmplă datorită capacității sale inerente de a-și schimba obiectivul fără a-i slăbi presiunea. Această capacitate de a schimba scopul sexual inițial cu altul, non-sexual, dar aproape psihologic de acesta, se numește sublimare.”

Freud înțelege funcția principală a artei într-un mod unic. În „Viitorul unei iluzii”, el afirmă: „Arta, așa cum am văzut de mult timp, oferă o satisfacție ersatz care compensează cele mai vechi, încă profund simțite interdicții culturale și, prin urmare, ca nimic altceva, se împacă cu sacrificiile pe care le are. a făcut. În plus, creațiile artistice, dând naștere la experiența comună a senzațiilor foarte apreciate, trezesc sentimente de identificare, de care orice cerc cultural are atât de urgentă nevoie; Ele servesc, de asemenea, satisfacției narcisice atunci când descriu realizările unei anumite culturi, amintindu-le impresionant de idealurile ei.” Din această descriere versatilă, deși departe de a fi completă, a scopurilor artei, funcția „compensatorie” intră cel mai adesea în câmpul de vedere al adepților lui Freud. Adică, compensarea nemulțumirii artistului față de starea reală a lucrurilor. Da, nu numai artistul, ci și oamenii care percep arta, deoarece în procesul de familiarizare cu frumusețea operelor de artă, se trezesc implicați în satisfacerea iluzorie a dorințelor lor inconștiente, ascunse cu grijă atât de ceilalți, cât și de ei înșiși. .

O persoană primește o plăcere autentică din perceperea operelor de artă, în special a poeziei, indiferent dacă sursa acestei plăceri este impresiile plăcute sau neplăcute.

Freud crede că poetul atinge acest rezultat prin traducerea dorințelor sale inconștiente în forme simbolice, care nu mai provoacă indignare a personalității morale, așa cum ar putea fi cazul unei descrieri deschise a inconștientului. Poetul înmoaie natura dorințelor egoiste și sexuale, le întunecă și le prezintă sub forma unor fantezii poetice, provocând plăcere estetică oamenilor.

În înțelegerea psihanalitică, adevărata plăcere dintr-o operă poetică se realizează deoarece sufletul fiecărei persoane conține pulsiuni inconștiente asemănătoare cu cele caracteristice poetului.

Creativitatea, conform lui Freud, este un proces patogen bazat pe un mecanism de apărare. Scriitorul este un geniu nevrotic cu abilități speciale de sublimare. Pe tărâmul ficțiunii, el găsește satisfacția pulsiunilor care nu pot fi realizate în viața reală și așa evită nevroza.

Artistul este o personalitate aparte, un fel de seismograf al epocii, a cărui sensibilitate îl face să simtă mai acut, subtil conflictele culturii și de multe ori îl conduce nu doar să evadeze în alcoolism, nevroză, ci chiar și în nebunie. Cu toate acestea, potrivit lui Freud, dacă o persoană nevrotică trece în lumea ireală a fanteziei, viselor și maniilor, atunci artistul, datorită capacității sale foarte dezvoltate de sublimare, schimbă energia pulsiunilor inferioare către activitatea artistică și stabilește o legătură între lumea a dorințelor sale fantezie și lumea reală. Astfel, potrivit lui Freud, el evită nevroza și, în plus, își ajută telespectatorii, cititorii și ascultătorii să se elibereze de tensiunile lor interne.

A fi artist înseamnă pentru Freud capacitatea, mai bună decât majoritatea celorlalți, de a-și recunoaște propriile conflicte, părțile ascunse ale sufletului, propriile caracteristici, punctele forte și slăbiciunile. Prin urmare, creativitatea artistică necesită o anumită perseverență și chiar curaj. Un artist este o persoană care este capabilă să depășească automatismul unei existențe necugetate, să simtă bolile și conflictele emoționale ale timpului mai acut și mai devreme decât alții. Mai mult, artistul se caracterizează nu numai printr-o putere mai mare a impulsurilor, ci și printr-o mai mare reticență de a renunța la implementarea lor. Pentru Freud, a fi artist înseamnă a fi un luptător pentru dreptul omului la libertate, înseamnă a lupta pentru vindecarea sufletelor umane.

Freud vede creativitatea ca o continuare și o înlocuire a vechiului joc al copiilor, în care poetul creează o lume pe care o ia foarte în serios, aducând în ea mult entuziasm, separând-o în același timp totuși brusc de realitate. În același timp, nu o persoană fericită este cea care creează, ci doar una nemulțumită. Căci pentru ca o imagine să se dezvolte în sufletul unui scriitor sau poet, acesta trebuie să fie copleșit de sentimente puternice cauzate de acțiunea unor conflicte interne nerezolvate, la care are nevoie să reacționeze pentru a se elibera de ele, întrucât dacă inconștientul nu și-a găsit realizarea în fantezia artistică, atunci energia inconștientului ar fi irosită ar crea nevroză.

Un poet (scriitor) își poate lucra conflictele cu ajutorul imaginilor pe care le creează, dotând (prin proiecție și exteriorizare) personajele sale cu trăsături contradictorii ale personalității sale. Cu cât elaborarea personajelor personajelor este mai profundă, cu atât este mai mare probabilitatea ca poetul (scriitorul) să se elibereze de conflicte și să obțină o atitudine mai matură față de viață. Cu mai puțină profunzime a procesării imaginii, au loc catarsis și eliberare temporară din conflicte și cu și mai puțină conștientizare, o ușurare temporară apare ca urmare a pur și simplu acționării emoțiilor cuiva. Întrucât conflictele adânc înrădăcinate ale personalității poetului (scriitorului) nu sunt rezolvate suficient de profund și cuprinzător în acest din urmă caz, fiecare nouă experiență de viață se poate transforma din nou într-una patogenă, iar pentru recuperarea temporară poetul (scriitorul) necesită din nou artistice. creativitate.

Se poate presupune că Sinele, dobândind o consistență internă mai mare și flexibilitate în procesul creativității artistice, este capabil să facă față conflictelor fără terapie analitică suplimentară.

Metodologie- descifrarea continutului operei pe care autorul l-a exprimat inconstient. Acest obiectiv este atins prin restaurarea biografiei secrete a autorului, ascunsă chiar și de el însuși.

Forma artistică acționează ca un simbol substitut pentru dorința reprimată.

„Scopul unei forme artistice este un compromis și o încercare de a înșela structura represivă a conștiinței” / L.S. Vygotsky „Psihologia artei”/

Adevărata plăcere, din punctul de vedere al psihanalizei, constă tocmai în eliminarea dorințelor reprimate, și nu în perceperea unei forme artistice.

Forma de artă devine un apendice.

Psihanaliza ne concentrează atenția tocmai pe „eu” vorbitor. Și atunci cuvântul este perceput ca un spațiu discursiv de dialog între cel puțin doi „eu”. (De exemplu, autorul și inconștientul său, autorul și Celălalt.) Psihanaliza a descoperit principiul naturii dialogice a cuvântului.

Este greu de rezolvat din pozitia psihanalizei problema esentei, existenta artei. Prin ce diferă arta, de exemplu, de religie? Este imposibil de explicat specificul artei folosind mijloacele psihanalizei.

Una este să dezvălui mecanismul inconștientului în creativitate și cu totul altceva să reducă toată creativitatea la acest mecanism.

· A fost creat un limbaj pentru a descrie inconștientul surprins în lucrare

· A fost creată o nouă strategie de interpretare

· Determinism biologic rigid, reducerea creativității la satisfacerea fanteziei diferitelor pulsiuni (pericol mare de false interpretări subiective)

· Ignorarea caracterului estetic al operei, originalitatea artistică (Freud însuși a înțeles foarte bine acest lucru și a spus că nu s-a angajat în mod conștient în acest lucru, fiind interesat doar de reflectarea psihicului autorului în lucrare).

Creativitatea este un proces al activității umane, al cărui rezultat este crearea de noi valori materiale și spirituale de calitate, care se disting prin unicitate, originalitate și originalitate. Ea își are originea în vremuri străvechi. De atunci, a existat o legătură inextricabilă între el și dezvoltarea societății. Procesul creativ implică imaginație și pricepere, pe care o persoană le dobândește prin dobândirea de cunoștințe și punerea lor în practică.

Creativitatea este o stare activă și o manifestare a libertății umane, rezultatul activității creatoare, este un dar oferit unei persoane de sus. Nu trebuie să fii grozav și talentat pentru a crea, a crea frumusețe și a oferi oamenilor dragoste și bunătate față de tot ceea ce îi înconjoară. Astăzi, activitățile creative sunt disponibile pentru toată lumea, deoarece există diferite tipuri de arte și fiecare poate alege o activitate pe placul său.

Cine este considerat o persoană creativă?

Aceștia nu sunt doar artiști, sculptori, actori, cântăreți și muzicieni. Orice persoană care folosește abordări non-standard în munca sa este creativă. Chiar și o gospodină poate fi așa. Principalul lucru este să-ți iubești munca și să-ți pui suflet în ea. Fii sigur: rezultatul va depăși toate așteptările tale!

Creativitate decorativă

Acesta este un tip de artă plastică, care include design decorativ al interiorului (decorarea unei camere folosind pictura de șevalet) și exterior (folosind vitralii și mozaicuri), artă de design (folosind grafică industrială și postere) și artă aplicată.

Aceste tipuri de creativitate oferă o oportunitate unică de a se familiariza cu tradițiile culturale ale poporului lor, de a promova un sentiment de patriotism și un mare respect pentru munca umană. Crearea unui produs creativ insuflă dragostea pentru frumos și dezvoltă abilități și abilități tehnice.

Creativitate aplicată

Este o artă decorativă populară concepută pentru a decora viața oamenilor și viața de zi cu zi în funcție de cerințele acestora. Creând lucruri cu o anumită formă și scop, o persoană își găsește întotdeauna o utilizare și încearcă să păstreze atractivitatea și frumusețea văzute în ele. Obiectele de artă sunt moștenite, de la strămoși până la descendenți. Ele dezvăluie înțelepciunea populară, modul de viață și caracterul. În procesul de creativitate, o persoană își pune sufletul, sentimentele și ideile sale despre viață în opere de artă. Acesta este probabil motivul pentru care valoarea lor educațională este atât de mare.

Efectuând săpături arheologice, oamenii de știință găsesc diverse lucruri și obiecte de uz casnic. Ele determină epoca istorică, relațiile în societatea acelui timp îndepărtat, condițiile din mediul social și natural, capacitățile tehnologiei, situația financiară, tradițiile și credințele oamenilor. Tipurile de creativitate ne pot spune despre felul de viață pe care oamenii au dus-o, ce au făcut și de care au fost interesați, cum s-au raportat la tot ceea ce îi înconjoară. Caracteristicile artistice ale operelor de artă aplicată insuflă unei persoane respectul pentru cultura și moștenirea națiunii.

Arte decorative și aplicate. Tipuri de tehnici

Ce tipuri de creativitate aplicată există? Sunt foarte mulți dintre ei! În funcție de metoda de fabricare a unui anumit articol și de materialul utilizat, se disting următoarele tehnici artizanale:

Legat de utilizarea hârtiei: plierea irisului sau plierea curcubeu a hârtiei, hârtie plastică, tuburi ondulate, quilling, origami, papier-mâché, scrapbooking, embosing, tundere.
Tehnici de țesut: ganutel, mărgele, macrame, țesut cu bobină, țesut cu noduri sau țesut.
Pictură: Zhostovo, Khokhloma, Gorodets etc.
Tipuri de pictură: batik - pictură pe țesătură; vitraliu - pictură pe sticlă; imprimare cu ștampile și burete; desen cu palme și amprente de frunze; ornament - repetarea și alternarea elementelor de model.
Crearea de desene și imagini: suflarea vopselei printr-un tub; ghiloș - arderea unui model pe țesătură; mozaic - crearea unei imagini din elemente mici; grafică fir - realizarea unei imagini cu fire pe o suprafață dură.
Tehnici de broderie din țesături: punct de cruce simplă și bulgară, punct drept și oblic satinat, tapiserie, broderie pe covoare și panglici, broderie cu aur, croiat, cusătură tiv și multe altele.
Cusut pe material: patchwork, matlasare, matlasare sau patchwork; anghinare, kanzashi și altele.
Tehnici de tricotat: furculiță; pe ace de tricotat (simple europene); croșetat tunisian; jacquard, file, ghipură.
Tipuri de creativitate asociate cu prelucrarea lemnului: ardere, tăiere, cioplire.

După cum puteți vedea singur, există un număr mare de tipuri diferite de tehnici de artă și meșteșuguri. Doar câteva dintre ele sunt enumerate aici.

Arta Folk

În operele de artă create de oameni, principalul lucru este selectat și păstrat cu grijă, nu există loc pentru lucruri inutile. Obiectele de artă populară sunt înzestrate cu cele mai expresive proprietăți. Această artă întruchipează simplitatea și gustul. Prin urmare, a devenit de înțeles, iubit și accesibil oamenilor.

Din cele mai vechi timpuri, oamenii au căutat să-și decoreze casele cu obiecte de artă populară. La urma urmei, ei păstrează căldura mâinilor unui meșter care înțelege natura și selectează cu pricepere doar cele mai frumoase lucruri pentru obiectele sale. Creațiile eșuate sunt eliminate, doar cele valoroase și mari rămân în viață.

Fiecare epocă are propria sa modă pentru interiorul casei unei persoane, care este în continuă schimbare. În timp, liniile stricte și formele dreptunghiulare devin din ce în ce mai preferate. Dar și astăzi oamenii scot idei dintr-un depozit neprețuit - talentele oamenilor.

Folclor

Acesta este folclor, care se reflectă în activitatea creativă colectivă artistică a omului de rând. Lucrările sale reflectă viața, idealurile și viziunile asupra lumii create de oameni. Apoi, ele există printre mase.

Tipuri de artă populară:

Proverbele sunt mini-opere poetice sub formă de scurte proverbe ritmice. Baza este concluzia, predarea și moralitatea generalizată.
Proveroanele sunt figuri de stil sau fraze care reflectă fenomenele vieții. Există adesea note pline de umor.
Cântece populare - nu au autor sau el este necunoscut. Cuvintele și muzica alese pentru ele s-au format în timpul dezvoltării istorice a culturii unui anumit grup etnic.
Chatushki sunt cântece populare rusești în miniatură, de obicei sub formă de catrene, cu conținut plin de umor.
Ghicitori - se găsesc în orice stadiu de dezvoltare a societății printre toate popoarele. În cele mai vechi timpuri erau considerate un test al înțelepciunii.
Pestushki - melodii scurte de mame și bone în formă poetică.
Rimele de copil sunt cântece și vorbe care însoțesc jocurile cu mâinile și picioarele unui copil.
Glumele sunt nuvele amuzante în formă poetică.
Este imposibil să ne imaginăm tipuri de artă populară fără cântece, cu ajutorul cărora oamenii, în timpul răspândirii păgânismului, s-au îndreptat către diverse fenomene naturale, cerându-le protecție sau către animale și păsări.
Rimele de numărare sunt mici rime ritmice. Cu ajutorul lor, liderul jocului este hotărât.
Scărcătorii de limbă sunt fraze construite pe o combinație de sunete care le fac dificil de pronunțat rapid.

Creativitate legată de literatură

Creativitatea literară este reprezentată de trei tipuri: epică, lirică și dramatică. Ele au fost create în vremuri străvechi, dar există și astăzi, deoarece determină modalități de rezolvare a problemelor puse literaturii de societatea umană.

Baza epopeei este reproducerea artistică a lumii exterioare, atunci când vorbitorul (autorul sau naratorul însuși) raportează evenimentele și detaliile lor ca pe ceva trecut și amintit, recurgând simultan la descrieri ale decorului acțiunii și apariției personaje și uneori la raționament. Versurile sunt expresia directă a sentimentelor și gândurilor scriitorului. Metoda dramatică le combină pe primele două, când personaje cu personaje foarte diferite sunt prezentate într-o singură piesă cu auto-revelație lirică directă.

Creativitatea literară, reprezentată de epic, lirism și dramă, deschide pe deplin posibilități nelimitate pentru o reflectare profundă a vieții oamenilor și a conștiinței lor. Fiecare gen literar are formele sale:

Epopee - fabulă, poezie, baladă, poveste, povestire, roman, eseu, memorie artistică.
Liric - odă, elegie, satira, epigramă.
Dramatic - tragedie, comedie, dramă, vodevil, glumă, scenă.

În plus, formele individuale ale oricărui fel de poezie sunt împărțite în grupuri sau tipuri. De exemplu, tipul de operă literară este epic. Forma este un roman. Tipuri: socio-psihologice, filozofice, familiale, aventuri, satirice, istorice, science fiction.

Arta Folk

Acesta este un concept încăpător care include diverse genuri și tipuri de creativitate artistică. Ele se bazează pe tradiții originale și pe modalități și forme unice de activitate creativă, care este asociată cu munca umană și se dezvoltă colectiv, pe baza continuității tradițiilor.

Arta populară reflectă lumea interioară a unei persoane, aspectul său spiritual și memoria vie a oamenilor. Există mai multe perioade în dezvoltarea sa:

Păgân (până în secolul al X-lea).
creștină (secolele X-XVII).
Istoria internă (secolele XVII-XIX).
secolul XX.

Arta populară a trecut printr-un lung proces de dezvoltare, în urma căruia au apărut următoarele tipuri de creativitate artistică:

Folclorul este viziunea asupra lumii și credințele morale ale oamenilor, opiniile lor despre om, natură și societate, care sunt exprimate în forme verbale, poetice, muzicale, coregrafice și dramatice.
Arta decorativă și aplicată este concepută pentru a satisface nevoile estetice și nevoile de zi cu zi ale unei persoane.
Creativitatea de zi cu zi a amatorilor este un fenomen artistic în viața festivă și de zi cu zi a unei persoane.
Arta amator este creativitate organizată. Este axat pe predarea oamenilor abilități artistice.

Creativitatea asociată cu tehnologia

Activitatea de muncă umană se îmbunătățește constant și capătă un caracter creativ. Mulți oameni reușesc să se ridice la cel mai înalt nivel în creațiile și invențiile lor. Deci, ce este creativitatea tehnică? Aceasta este o activitate a cărei sarcină principală este de a crea soluții tehnice care să fie inedite și să aibă semnificație socială nu numai în propria țară, ci și dincolo de granițele acesteia, adică la nivel mondial. În caz contrar, aceasta se numește invenție, ceea ce este echivalent cu conceptul de creativitate tehnică. Și este interconectat cu științifice, artistice și alte tipuri.

Oportunități mari sunt deschise pentru contemporanii noștri și au fost create toate condițiile pentru a face ceea ce le place. Există un număr mare de cluburi specializate, palate, cercuri și societăți științifice. În aceste instituții, adulții și copiii sunt angajați în modelarea aeronavelor și a navelor, sporturi cu motociclete, karting, design auto, programare, informatică și tehnologia computerelor. Asemenea tipuri de creativitate precum dezvoltarea de design pentru vehicule sportive: mini-mașini, mașini auto, echipamente pentru pescari, turiști și alpiniști sunt foarte populare.

Aspecte psihologice ale procesului de creativitate artistică

Observații și explicații suplimentare ale proceselor actului creativ sunt oferite de psihologia modernă a științelor naturale, acele dezvoltări experimentale și cercetări care se desfășoară în domeniul neurodinamicii activității creative. Această abordare a studiului activității creative are o istorie destul de lungă. Oamenii de știință sunt interesați de ceea ce se întâmplă în structurile creierului în momentul activității creative, ceea ce determină o persoană să aleagă profesia de artist, muzician sau scriitor. Există fundații fiziologice care ne permit să vorbim despre predispoziția unei persoane de a se angaja în artă? O serie de cercetători răspund la această întrebare în mod negativ. În alte lucrări (Auerbach, Tandler) se pot găsi observații despre unele trăsături ale structurii creierului muzicienilor și scriitorilor (dezvoltarea semnificativă a girului temporal al creierului, girului transversal și, în unele cazuri, a lobilor frontali ai creierului).

Studiile proceselor neurodinamice au arătat că aceleași sunete provoacă reacții mai puternice la muzicieni decât la omul obișnuit. După cum se știe, toate procesele de activitate nervoasă superioară se bazează pe mecanismele de excitare și inhibiție. Configurațiile diferite ale mecanismelor de excitare și inhibiție determină diferite tipuri de temperamente, care au fost identificate de Hipocrate. În acest sens, o persoană sanguină se distinge printr-un tip puternic, mobil, echilibrat de activitate nervoasă superioară. Coleric - puternic, agil, dezechilibrat. Flegmatic - puternic, echilibrat, calm. Melancolicul este un tip slab.

Mecanismele de excitație și inhibiție stau la baza formării și stabilirii conexiunilor reflexe, care, de fapt, acționează ca un instrument al abilităților profesionale, abilităților și tehnicilor de activitate creativă. Raportul dintre forțele de excitație și inhibiție determină succesul actului creativ. Dezechilibrul lor, chiar și la o persoană în momente diferite, duce la faptul că actul creator se desfășoară în ritmuri diferite, cu intensități diferite etc. Stabilirea conexiunilor reflexe între celulele analizatorilor auditiv și vizual nu are loc la nici un nivel de excitație. Dacă acest nivel este minim, atunci excitația nu va putea depăși inerția mediului și nu va putea să se răspândească în măsura adecvată în tot țesutul cerebral, prin urmare, nu va putea crea noi circuite reflexe condiționate. Această stare în timpul creativității este evaluată subiectiv ca nesatisfăcătoare. Într-una din scrisorile lui N.F. von Meck P.I. Ceaikovski vorbește despre o stare asemănătoare: „este foarte convenabil să studiezi aici, dar până acum nu am reușit să intru în acea fază a stării psihice când se scrie de la sine, când nu trebuie să depună nici un efort pe sine. , dar ascultă-te de dorința interioară de a scrie.”

Dacă în momentul creativității entuziasmul este prea puternic, atunci undele procesului iritabil vor curge liber, oferind o oportunitate deplină pentru implementarea închiderilor nervoase. Ca urmare a unei astfel de „libertăți reflexive”, restaurarea urmelor sonore, muzicale și vizuale va fi efectuată haotic, fără a duce la crearea unei opere de artă finite. opere muzicale. Limitarea entuziasmului, tăierea tot ceea ce este de prisos, inutil, aleatoriu se realizează cu ajutorul mecanismului de frânare. Prin urmare, pe de o parte, productivitatea procesului creativ depinde de capacitatea de a obține o excitare puternică, ceea ce duce la formarea rapidă de conexiuni reflexe, noi „modare nervoase”; pe de altă parte, din acțiunea ordonată a mecanismelor de frânare care asigură conturul emergent, permițând echilibrarea părții și întregului, pentru a crea un fragment finalizat sau întreaga lucrare deodată. O problemă frecventă a temperamentului coleric, când acțiunea mecanismelor de excitare depășește mecanismele de inhibiție - activitate creativă nestructurată, în esență nesfârșită. Temperamentul coleric este mai frecvent decât alții la grafomanii din literatură, muzică și arte vizuale. Gândurile sunt confuze și sar, sentimentele copleșesc și inundă artistul, dar el nu le controlează, nu se poate pune în cadrul necesar pentru aceasta. O astfel de supraexcitare are un efect negativ asupra obținerii unui efect creativ.

Condiția optimă pentru creativitate este atunci când atât excitația, cât și inhibiția acționează ca valori echivalente. În acest caz, aceasta este prerogativa persoanei sanguine - tipul puternic. Subiectiv, această stare este evaluată ca fiind cea mai bună pentru activitatea creativă, devine posibil să se concentreze asupra principalului lucru, oportunitatea de a elimina gândurile inutile și senzațiile inutile. Excitarea creativă poate fi destul de trecătoare - unele motive și dispozitive stilistice clipesc în mintea unui muzician, scriitor, artist, dar în general nu se încadrează într-o singură țesătură artistică. Pentru ca nașterea unei opere să aibă loc, este necesar un suport pe termen lung al excitației, adică prezența unei așa-numite dominante creative. Dominant este un concept specific în psihologia creativității. Dominanta fiziologică acționează ca un focar al excitației staționare. Întâlnim constant în viață existența unor dominante diferite la oameni. Fiecare fanatic, entuziast, devotat unei anumite idei, are propriile sale preferințe exprimate; atunci când începe o conversație în societate, el stă mereu pe „calul său”. Dominanța este rezultatul prezenței în structurile creierului a conexiunilor puternice formate de-a lungul vieții, care, de obicei, într-o stare estompată, se aprind puternic în anumite condiții.

Pe măsură ce se formează dominante profesionale și artistice, o persoană începe să observe aspecte ale lumii naturale și artistice care anterior îi erau inaccesibile. Fiecare artist știe cât de dificil poate fi să încălziți dominanta creativă și să atingeți o stare în care procesul creativ merge de la sine. „Uneori urmăresc cu curiozitate munca continuă care, prin ea însăși, indiferent de subiectul conversației pe care o am, de la oamenii cu care sunt, are loc în acea zonă a capului meu care este dată muzicii”, scrie. Ceaikovski Uneori se întâmplă un fel de muncă pregătitoare, adică termină detaliile vocalizării unei piese proiectate anterior, iar altă dată apare o idee muzicală complet nouă, independentă și încerci să o păstrezi în memorie. Toate aceste introspecții susțin o viziune asupra procesului de creație care nu este o zonă închisă. În momentele de veghe și somn, de plimbări și conversații, în cadrul artistului operează latent un proces creativ deja lansat.

Unele tipuri de temperament artistic duc la un proces atât de puternic de entuziasm, încât artistul nu este adesea capabil să țină pasul cu gândurile și ideile care apar pe hârtie. Acesta a fost cazul, de exemplu, cu Händel, al cărui ritm de lucru necesita stenografie. Când lucra la mari lucrări corale, a notat mai întâi schițe ale tuturor părților, apoi le-a pierdut treptat, ajungând la linia de sosire doar cu una. Energia unei dominante reproduse constant menține tonul creativ. Acesta este motivul pentru care munca creativă sistematică, chiar și atunci când este începută cu mare efort, poate aduce întregul aparat creativ în stare activă. „Inspirația este un oaspete căruia nu îi place să-i viziteze pe leneși” - această maximă binecunoscută a artiștilor este astfel confirmată experimental. Cu munca sistematică, când conexiunile reflexe sunt constant stabilite, actualizate și antrenate, impulsul inițial pentru creativitate poate fi nesemnificativ. Cea mai slabă influență este uneori suficientă pentru a pune în mișcare întregul aparat creativ complex. Și invers, cu inactivitate prelungită, se dovedește a fi mult mai dificil să-și scoată părțile „ruginite” de pe pământ. Dacă au fost pauze lungi, este necesară o împingere semnificativă din exterior, deoarece inhibiția întărită în creier nu se lasă imediat depășită de excitație.

Caracteristicile activității nervoase superioare - gradul de forță, mobilitate, echilibru - stau la baza diferitelor cerințe pentru mediu. Astfel, autorii cu excitație și inhibiție slabă, care întâmpină dificultăți în formarea dominantelor fiziologice, sunt extrem de pretențioși la condițiile de muncă creative și au nevoie de condiții de „sară”. Un mediu favorabil în timpul creativității capătă o importanță excepțională pentru ei, activând procesele nervoase care au loc în acest moment. Artiști de alt tip, de exemplu M. Bulgakov, au remarcat din propria experiență că „cele mai bune lucrări sunt scrise pe marginea mesei de bucătărie”.

O problemă specială a psihologiei creativității este problema deteriorării și epuizării psihicului ca urmare a eforturilor creative prelungite. Eficacitatea prevenirii muncii creative, care este importantă atât pentru artist, cât și pentru om de știință, depinde de dezvoltarea acesteia. Principalul lucru este abilitatea de a-ți calcula puterea și de a-ți controla tensiunea. Unii oameni se străduiesc să creeze perioade de creativitate intensă între singurătate și comunicare, alții alternează procesul creativ cu plimbări în natură, pentru alții programul de lucru este foarte important, alții pot compune doar în anumite perioade ale anului etc. Unii artiști, conștienți de natura temperamentului lor și de particularitățile psihologiei individuale, au luat chiar și unele măsuri preventive menite să protejeze procesul creativ. Mozart, de exemplu, într-o scrisoare către tatăl său, întreabă: „Nu-mi scrie scrisori triste, trebuie să rămân calm, clar, liber de gânduri și dispoziție de a munci. Fiecare veste tristă mă privează de toate acestea”. Și altă dată: „viața mea aici este plină de griji și dureri, nu voi citi scrisori plângătoare și plângătoare”. Procesul de stabilire a conexiunilor reflexive puternice creează căi familiare care se manifestă într-o stăpânire aproape automată a anumitor tehnici de scriere artistică. În timp, aceste tehnici devin osificate. Fiecare artist poate găsi acest gen de întorsături stilistice, laitmotive unice pentru el, care în timp se pot transforma în clișee lingvistice. La nivel fiziologic, aceasta înseamnă că conexiunile reflexe se transformă în „stereotipuri profunde”. Este important aici ca puterea noilor atacuri creative să fie de așa natură încât să ne permită să distrugem și să schimbăm constant aceste stereotipuri, pentru a le proteja de a deveni un clișeu. Ruperea stereotipului de fundal este realizată cu cel mai mare succes de către oameni coleric, care sunt mai capabili decât alții să creeze, schimbând sistematic baza originală. Artistul coleric este marcat de impulsuri extravagante în creativitate; După ce a stăpânit un gen, el se străduiește să se testeze în altele necunoscute etc.

Astfel, evoluțiile din domeniul psihologiei aplicate (științelor naturale) ajută la detalierea și explicarea unui număr de observații acumulate de psihologia teoretică generală a creativității. Complementaritatea acestor domenii științifice este evidentă ne permite să punem în lumină procesele greu de explicat ale nașterii, gestației și implementării unui concept artistic.

Diferiți oameni sunt predispuși la creativitate artistică în diferite grade: abilitate - talent - talent - geniu Un artist care se află pe o treaptă superioară a acestei scări creative păstrează acele calități care sunt inerente celor care se află pe treptele sale inferioare, dar trebuie cu siguranță. posedă o serie de alte merite înalte.

Abilitățile artistului

Abilitățile unui artist, conform psihologului american Guilford, implică șase înclinații: fluența gândirii, asociativitatea, expresivitatea, capacitatea de a trece de la o clasă de obiecte la alta, flexibilitatea adaptativă, capacitatea de a da formei artistice forma necesară. Abilitățile asigură crearea de valori artistice de interes public.

Înzestrarea

Supozantul presupune o atenție acută la viață, capacitatea de a alege obiectele atenției, de a consolida în memorie tema asocierilor și conexiunilor dictate de imaginația creatoare O persoană dotată artistic creează opere care au o semnificație de durată pentru o anumită societate pentru o perioadă semnificativă de dezvoltarea acestuia. Supozitatea este capacitatea de a concentra atenția asupra obiectelor demne de atenție selectivă, de a extrage impresii din memorie și de a le include într-un sistem de asocieri și conexiuni dictate de imaginația creatoare. Talentul dă naștere unor valori artistice care au o semnificație națională durabilă și uneori universală. „Majoritatea oamenilor preferă calea de mijloc între mediocritate și geniu - talent. Nu toată lumea vrea să-și schimbe întreaga viață cu artă. Și de câte ori un geniu, la sfârșitul carierei, se pocăiește de alegerea sa! „Era mai bine să nu surprind lumea și să trăiești în această lume”, spune Ibsen în ultima sa dramă.” (Shestov. 1991. p. 72-73).

Un geniu, deși exprimă pe deplin esența timpului său, cel mai adesea pare deplasat în epoca sa. El, s-ar putea spune, trage firul tradiției din trecut în viitor și, prin urmare, o parte din opera sa aparține trecutului și o parte viitorului. Și doar contemporanii mediocri văd doar ceea ce este în geniul prezentului și chiar și atunci văd incomplet. „Munca plictisitoare, plictisitoare, enervantă este o condiție pentru dezvoltarea geniului. De aceea, probabil, oamenii reușesc atât de rar ceva. Un geniu trebuie să accepte să cultive fundul în sine - această condiție este atât de umilitoare încât o persoană acceptă ea doar ca ultimă soluție... Un geniu este un maniac patetic și orb, căruia îi sunt iertate toate ciudateniile, având în vedere că beneficiile pe care le aduce. Și totuși ne închinăm cu toții perseverența și geniul – singurul zeu în care modernitatea mai crede” (Shestov. 1991. pp. 72-73). Geniul creează cele mai înalte valori universale care au o semnificație pentru toate timpurile. Geniul artistului se manifestă atât în puterea de percepție a lumii, cât și în profunzimea impactului său asupra umanității. „Nu există geniu fără voință, dar există și mai mult, există și mai puțin - fără inspirație” (Tsvetaeva. 1991, p. 74). Există multe legende misterioase și speculații teoretice în jurul figurii unui geniu. În geniu există o „abatere de la normă”. „Geniul se găsește rar în unire cu inteligența predominantă; dimpotrivă, indivizii străluciți sunt adesea supuși unor afecte puternice și unor pasiuni nerezonabile” (Schopenhauer. 1900. P. 196). Cu toate acestea, geniul artistic nu este o formă de patologie mentală și, potrivit judecății corecte a lui Gogol, „arta este introducerea în suflet a armoniei și ordinii, și nu a confuziei și a dezordinei” (Gogol. T. 6. P. 382). Acest lucru se aplică atât impactului operei asupra publicului, cât și procesului de creație artistică.

Principii de interpretare a creativității (aspecte filozofice, sociologice, culturale)

Creativitatea este un atribut al activității umane, „proprietatea sa necesară, esențială, inalienabilă”. Ea a predeterminat apariția omului și a societății umane și stă la baza progresului în continuare al producției materiale și spirituale. Creativitatea este cea mai înaltă formă de activitate și activitate independentă a omului și a societății. Conține un element de nou, presupune activitate originală și productivă, capacitatea de a rezolva situații problematice, imaginație productivă combinată cu o atitudine critică față de rezultatul obținut. Domeniul de aplicare a creativității acoperă acțiuni de la o soluție non-standard la o problemă simplă până la realizarea deplină a potențialului unic al unui individ într-o anumită zonă.

Creativitatea este o formă istorică evolutivă a activității umane, exprimată în diverse tipuri de activități și care duce la dezvoltarea personalității. Prin creativitate se realizează dezvoltarea istorică și legătura dintre generații. Ea extinde continuu capacitățile umane, creând condiții pentru cucerirea unor noi înălțimi.

O condiție prealabilă pentru activitatea creativă este procesul de cunoaștere, acumularea de cunoștințe despre subiectul care urmează să fie schimbat.

Activitatea creativă este activitatea de amator care îmbrățișează realitatea în schimbare și autorealizarea individului în procesul de creare a valorilor materiale și spirituale, forme noi, mai progresive de management, educație etc. și depășirea limitelor capacităților umane.

Creativitatea se bazează pe principiul activității și, mai precis, pe activitatea muncii. Procesul de transformare practică de către om a lumii înconjurătoare determină, în principiu, formarea omului însuși.

Creativitatea este un atribut al activității numai al rasei umane. Esența generică a unei persoane, cea mai importantă proprietate atributivă a sa, este activitatea obiectivă, a cărei esență este creativitatea. Cu toate acestea, acest atribut nu este inerent unei persoane de la naștere. În acest moment, este prezent doar ca o posibilitate. Creativitatea nu este un dar al naturii, ci o proprietate dobândită prin muncă. Activitatea transformatoare și includerea în ea este o condiție necesară pentru dezvoltarea capacității de a crea. Activitatea transformatoare a unei persoane îl educă ca subiect al creativității, îi insuflă cunoștințele și aptitudinile adecvate, îi educă voința, îl face dezvoltat cuprinzător, îi permite să creeze noi niveluri calitativ de cultură materială și spirituală, adică. crea.

Astfel, principiul activității, unitatea muncii și a creativității relevă aspectul sociologic al analizei fundamentelor creativității.

Aspectul cultural se bazează pe principiul continuității, unității tradiției și inovației.

Activitatea creativă este componenta principală a culturii, esența ei. Cultura și creativitatea sunt strâns interconectate, în plus, interdependente. Este de neconceput să vorbim despre cultură fără creativitate, deoarece este dezvoltarea ulterioară a culturii (spirituale și materiale). Creativitatea este posibilă doar pe baza continuității în dezvoltarea culturii. Subiectul creativității își poate realiza sarcina doar interacționând cu experiența spirituală a umanității, cu experiența istorică a civilizației. Creativitatea ca condiție necesară include adaptarea subiectului său la cultură, actualizarea unor rezultate ale activităților umane trecute.

Interacțiunea dintre diferitele niveluri calitative ale culturii care apare în procesul creativ ridică problema relației dintre tradiție și inovație, deoarece este imposibil să înțelegem natura și esența inovației în știință, artă, tehnologie sau să explici corect natura. de inovare în cultură, limbă, în diverse forme de activitate socială fără legătură cu dezvoltarea dialectică a tradiţiei. În consecință, tradiția este una dintre determinările interne ale creativității. Ea formează baza, baza originară a actului creator, insuflă subiectului creativității o anumită atitudine psihologică care contribuie la realizarea anumitor nevoi ale societății.